La piedra del Trueno, el bloque de piedra más grande movido por el hombre.

El Jinete de Bronce es un monumento ubicado en la ciudad rusa de San Petersburgo. El pedestal de esta estatua ecuestre se conoce como la Piedra del Trueno, el bloque de piedra más grande que jamás haya sido movido por seres humanos.

El jinete de Bronce  FUENTE

Aunque "El jinete de bronce" se creó durante el siglo XVIII, su nombre actual se deriva del poema de 1833 de Alexander Pushkin, "El jinete de bronce: un cuento de Petersburgo", se considera una de las mejores obras de la literatura rusa.

El Jinete de Bronce es una representación del primer emperador de Rusia, Pedro el Grande (Pedro I). Durante su reinado, Rusia se transformó en una gran potencia europea.

Pedro I  FUENTE

El monumento fue realizado en el reinado de Catalina la Grande. Se encargó el proyecto a un renombrado escultor francés llamado Étienne Maurice Falconet. El trabajo comenzó en 1770, y se completó en 1782. Falconet no vio la presentación de su obra maestra, ya que el escultor según algunas fuentes, tuvo grandes discusiones con el director de la Academia de Bellas Artes, lo que provocó que abandonara el país cuatro años antes de que se completara la escultura.

Retrato de Falconet  FUENTE

Antes de que comenzaran los trabajos de la estatua ecuestre, se estaba preparando el pedestal sobre el que se colocaría. Esta es la llamada Piedra del Trueno, una enorme roca granítica que se dice que es el monolito más grande que ha sido movido por humanos. Se encontraba en Lakhta, un área no muy lejos del centro de San Petersburgo. Según una antigua leyenda local, un trozo de este monolito fue dividido por un trueno (más bien sería un rayo), de ahí el nombre. En 1768, se determinó que la Piedra del Trueno formaría el pedestal de la estatua de Pedro I el Grande de Falconet.

Se estima que la Piedra del Trueno pesaba un total de 1500 toneladas. Si bien Falconet tenía la intención de cortar el monolito antes de transportarlo a San Petersburgo, Catalina no se lo permitió. Por lo tanto, la Piedra del Trueno se transportó primero a la ciudad y luego se le dio forma para que pareciera un acantilado. La tarea de transportar la Piedra del Trueno recayó sobre los hombros de Marinos Carburis, un griego que era ingeniero y teniente coronel del ejército ruso.

El plan de Carburis era esperar a que llegara el invierno y luego hacer que los trabajadores arrastraran el monolito sobre el suelo helado hasta el mar (Lakhta está situada a unos 6 km tierra adentro), para que luego pudiera ser transportado por agua a San Petersburgo.

Transporte de la Piedra de trueno. Dibujo de la época  FUENTE

Para ayudar aún más al transporte del monolito, Carburis desarrolló un trineo de metal que se deslizaba sobre esferas de bronce. Cuatrocientos hombres tardaron 9 meses en trasladar el monolito al mar, y en 1770, unos dos años después de que comenzaran las obras, la Piedra del Trueno llegó a su destino.

Según una leyenda del siglo XIX, San Petersburgo nunca sería capturado por enemigos mientras el Jinete de Bronce estuviera en la ciudad. Así, durante la Segunda Guerra Mundial, en lugar de derribar la estatua para protegerla del bombardeo enemigo, se cubrió con sacos de arena y se le hizo un refugio de madera. Puede haber algo de verdad en la leyenda, ya que la ciudad, entonces conocida como Leningrado, no pudo ser tomada por los nazis, a pesar de un asedio de casi dos años y medio.

Vía: Ancient Origins

Ghana: Carteles de cine pintados a mano

A finales de la década de 1980, las empresas de cine móvil estaban floreciendo en Ghana, llevando proyecciones de películas a pueblos y áreas rurales sin teatros ni electricidad. Estos "cineclubs" improvisados, compuestos por un generador diesel, una videograbadora y un televisor o proyector cargado en un camión, viajaban por todo el país exhibiendo éxitos de taquilla de Hollywood y Bollywood, así como películas de África occidental.

ACORRALADO  FUENTE

Para atraer a los espectadores, necesitaban publicitar sus ofertas. Pero no tenían los carteles originales de las películas, ni los medios para imprimir, los gobernantes militares del país habían restringido la importación de imprentas. Así que hicieron sus propios carteles. Los artistas locales eran los encargados de pintarlos a mano en sacos de harina usados. Eran grandes, generalmente de más de un metro de ancho y hasta un metro ochenta de altura. Estos carteles hoy en día tienen un alto valor económico entre coleccionistas.

En la década de 1990, en pleno apogeo del cine itinerante, varias decenas de artistas locales se dedicaban a producir estos carteles. Algunos de los artistas más populares, eran Joe Mensah, Nyen Kumah, Leonardo, Sócrates, Death is Wonder, Frank Armah y DA Jasper.

DEPREDADOR  FUENTE

Brian Chankin comenzó a coleccionar los carteles hace unos 10 años y los exhibió en un videoclub de Chicago. La gente quería comprarlos y vendió una gran cantidad de ellos. Los más apreciados han llegado a venderse por más de 50 mil dólares.

Brian Chankin con el artista Leonardo  FUENTE

La demanda de carteles en Ghana comenzó a desaparecer a mediados de la década de 2000, cuando la visualización de cine en el hogar se generalizó. Algunos artistas han mantenido viva la tradición y ahora están trabajando por encargo

En 2015, Brian Chankin abrió Deadly Prey Gallery, un estudio con sede en Chicago que trabaja con artistas ghaneses. Los carteles más solicitados son los grandes éxitos de acción de los años ochenta que hicieron famosos a los carteles. "Depredador, Terminator..."

Jurassic Park   FUENTE

Fuente y más carteles en: CNN 

Cuando Christie's y Sotheby's se jugaron una colección de cuadros, a piedra, papel y tijeras

Si bien es probable que nunca hayas oído hablar de Maspro Denkoh, una compañía japonesa fundada en 1952 que fabrica entre otras cosas, equipos de recepción de TV. Ellos serán recordados para siempre en los anales de la historia de los negocios gracias a una decisión bastante extraña tomada por Takashi Hashiyama - el hombre que encabezaría la compañía durante poco más de medio siglo antes de su muerte en 2007 a la edad de 76 años.

Durante sus años como presidente de la compañía, Hashiyama decidió que la empresa comprase varias obras de arte, entre ellas: "Les grands arbres au Jas de Bouffan" de Paul Cézanne, "Boulevard de Clichy" de Picasso y "Vue de la chambre de l'artiste, rue Lepic" de Van Goh. En 2004 con el negocio pasando un mal momento. Hashiyama vio la oportunidad de obtener una gran ganancia con la venta de las obras y decidió subastar la colección de arte que la compañía había acumulado.

Les grands arbres au Jac de Bouffan  FUENTE

Hasta ese momento Hashiyama, había tratado principalmente con la famosa casa de subastas británica Sotheby's aunque también tenía una relación de trabajo con Kanae Ishibashi, presidenta de Christie's en Japón. Naturalmente,las dos casas de subastas estaban ansiosas por llegar a un acuerdo. La colección era una joya de la corona.

Después de pasar un tiempo donde los respectivos expertos examinaron la colección y elaboraron estimaciones, las dos compañías presentaron las expectativas de ingresos. El resultado fue que, al menos a los ojos de Hashiyama, "Ambas compañías eran igualmente buenas y simplemente no podía elegir una". Hashiyama en momentos de dudas, tenía una propensión a dejar que el destino decidiera, utilizando varios juegos de azar.

Y así fue como Hashiyama llamó a las dos casas de subastas y les informó de su decisión. Christie's y Sotheby's, se jugarían la subasta de la colección a piedra, papel o tijera. Escribirían una opción en un papel y el ganador se quedaría con la colección. Así que en Christie's empezaron a jugar compulsivamente a piedra, papel, tijeras, tratando de encontrar la manera de ganar a este juego.En cuanto a los de Sotheby's, pensaron que era un juego de azar y eso no se podía entrenar.

Aunque piedra, papel y tijeras, es un juego de azar, resulta que hay varias estrategias que puedes usar para aumentar las probabilidades de ganar. Por ejemplo, los hombres son más propensos a abrir con piedra. Las mujeres, por otro lado, muestran una preferencia a abrir con tijeras. Dicho esto, de acuerdo con la World Rock Paper Scissors Society, en los torneos con jugadores más experimentados, los números generales son 35.4% de piedra, 35% de papel y 29.6% de tijeras.

Vue de la chambre de l'artiste, rue Lepic  FUENTE

Ishibashi, estaba bajo una enorme presión. Así que contactó con casi cualquier persona que pudo para obtener su opinión sobre la estrategia a seguir. Fue durante este proceso cuando su jefe y Director del Departamento Internacional de Christie's de Arte Impresionista y Moderno, Nicholas Maclean, decidió preguntar a sus hijas gemelas de 11 años, Flora y Alice. Ambas niñas estaban constantemente jugando a piedra, papel y tijeras, para decidir cualquier tipo de cosa.

Cuando preguntó a las gemelas, obtuvo muchísima información. Le indicaron que generalmente la gente empieza con tijeras. Y que ese debería ser su inicio, pues los de Sotheby's eran inteligentes, y pensarían que no saldría con ese movimiento. Maclean llamó a Ishibashi y le relató el contenido de su conversación con sus hijas.

Llegó el dia señalado e Ishibashi se dirigió a la sede Maspro en las afueras de Nagoya, Japón. Se saludó con los representantes de Sotheby's, tomó su bolígrafo y escribió en un papel, tijeras. El representante de Sotheby's entregó el suyo. El notario sostenía los dos pedazos de papel, con un rostro inescrutable y tras treinta larguísimos segundos, levantó la vista y declaro que Sotheby's había elegido papel. Christie's ganó.

El total de todos los artículos vendidos en la subasta fue de 17.8 millones de dólares de la época. Dos millones de ellos se los quedó Christie's, gracias a las gemelas de uno de sus directivos.


Vía: Todayifoundout

El monumento del tercer ángel en Chernóbil

Un ángel solitario domina la tierra tóxica de Chernóbil, una trompeta presionada contra sus labios en una canción silenciosa. La escultura, creada por el artista ucraniano Anatoly Haydamaka, es un tributo a quienes perecieron en uno de los peores desastres nucleares del mundo.

FUENTE

El 26 de abril de 1986, una prueba de seguridad en un reactor en la Central Nuclear de Chernobyl cerca de Pripíat , Ucrania, desató un infierno. Hubo llamas que salieron de la planta nuclear durante 10 días. Los bomberos acudieron a la extinción del incendio. El humo radioactivo los envenenó.

Muchos de los bomberos, o liquidadores, desconocían la verdadera naturaleza de la tarea, creyendo al principio que era otro incendio ordinario. Lucharon contra las llamas tóxicas, perdiendo la vida. Veintinueve murieron por radiación en los días posteriores al desastre, y otros cientos cayeron en las siguientes semanas.

El "Monumento del Tercer Ángel" no solo honra a las personas que arriesgaron todo para combatir la catástrofe, sino lanza un mensaje bíblico. El monumento fue inspirado por un pasaje del Nuevo Testamento, Apocalipsis 8: 10-11:

FUENTE

El tercer ángel tocó la trompeta, y cayó del cielo una gran estrella, ardiendo como una antorcha, y cayó sobre la tercera parte de los ríos, y sobre las fuentes de las aguas. Y el nombre de la estrella es Ajenjo. Y la tercera parte de las aguas se convirtió en ajenjo; y muchos hombres murieron a causa de esas aguas, porque se hicieron amarga.

Vía: Atlas Obscura 

El diseñador gráfico que descubrió que no era Leopoldo II sino Rodin

Luis Pastor disfrutaba de su tiempo libre en uno de los museos de su ciudad natal, mientras visitaba a sus padres en Madrid. Entró en el pequeño Museo Lázaro Galdiano, donde supo al instante que algo no estaba bien cuando vio una cara familiar.

En la sala de miniaturas del museo, Pastor vio un retrato de uno de sus escultores favoritos, Auguste Rodin. Es un rostro con el que el Pastor está muy familiarizado: mientras estaba en la escuela había estado "obsesionado" con el escultor, y con los años ha visitado el Museo Rodin de París multitud de veces. Así que cuando Pastor leyó la leyenda del retrato, que identificaba a la figura como el rey Leopoldo II de Bélgica, sabía que había un error.

Retrato de Rodin en el Museo Lázaro Galdiano  FUENTE

Pastor, pensó que había leído mal la leyenda. Mientras aún estaba en el museo, comenzó a buscar en Google a Leopoldo II, a quien se recuerda principalmente por el genocidio en el Congo Belga . Leopoldo II se parecía a Rodin pero Pastor resolvió llegar al fondo del tema.

Leopoldo II FUENTE

En contra de algún historiador de arte. Pastor persistió, alentado por las diferencias que notó entre los colores de los ojos y las formas de las orejas de los dos hombres, y por el corte de pelo del retrato, muy parecido al peinado de Rodin. Compartió actualizaciones en vivo del progreso de su investigación en Twitter, y en pocos días el museo adoptó oficialmente la posición de Pastor. El 4 de junio de 2019, el museo confirmó que, después de realizar extensos análisis comparativos de los retratos de ambos hombres, el personaje del cuadro era Rodin.

Twitter de Luis Pastor.

Vía: Atlas Obscura

El insecto que pintó de rojo Europa

Aunque el escarlata es el color del pecado en el Antiguo Testamento, la élite del mundo antiguo tenía sed de rojo, un símbolo de riqueza y estatus. Gastaban sumas fantásticas en busca de matices cada vez más vibrantes, hasta que Hernán Cortés y los conquistadores descubrieron un pigmento en los grandes mercados de Tenochtitlan. Se obtenía aplastando cochinillas. El misterioso tinte se convirtió en una de las principales exportaciones del Nuevo Mundo hacia Europa.

Cochinillas y su pigmento  FUENTE

En la Europa medieval, los gremios de tintoreros custodiaban sus secretos para fijar colores a la lana, la seda y el algodón. Usaban raíces y resinas para crear amarillos, verdes y azules. El caracol murex fue aplastado para crear una tela imperial de color púrpura que valía más que el oro. Pero el rojo permanecía esquivo.

El proceso para hacer el rojo por los tintoreros turcos, llevaba meses, e implicaba una mezcla pestilente de estiércol de vaca, aceite de oliva rancio y sangre de bueyes. Durante muchos años, fue el rojo más común en Europa, donde el proceso 'Turquía roja' usaba la raíz de la planta rubia y los elementos antes indicados. Los tintoreros europeos trataron desesperadamente de reproducir este rojo, pero no tuvieron éxito. Las élites usaban St John's Blood y el rojo armenio.

Los pueblos mesoamericanos en el sur de México habían comenzado a usar el chinche de la cochinilla mucho antes de la llegada de los conquistadores. Los indígenas de Puebla, Tlaxcala y Oaxaca tenían sistemas de cría para las chinches de las cochinillas, obteniendo los rasgos ideales y el pigmento se utilizaba para crear pinturas para códices y murales, teñir telas y plumas e incluso como medicina.

Cuando los conquistadores llegaron a Tenochtitlan, la capital del imperio azteca, el color rojo estaba en todas partes. Los pueblos periféricos pagaban a los gobernantes aztecas en kilos de cochinilla y rollos de tela roja. Carlos I de España, tras recibir los informes de Hernán Cortés vio en la cochinilla una oportunidad para apuntalar las arcas de la corona.

Hernán Cortés y Moctezuma  FUENTE

En 1523, el pigmento de la cochinilla llegó a España. Los españoles obligaron a los indios a producir todo lo que fuese posible. El tinte de la chinche de la cochinilla era diez veces más potente que el St John's Blood. Además producía 30 veces más colorante por gramo que el rojo armenio.

Cuando los tintoreros europeos comenzaron a experimentar con el pigmento, quedaron encantados con su potencial. Era el rojo más brillante y saturado que jamás habían visto. A mediados del siglo XVI ya se usaba en toda Europa, y en la década de 1570 se había convertido en uno de los comercios más rentables de Europa.

La obra sin fecha de López de Arteaga, "La incredulidad de Santo Tomás", palidece en comparación con la versión de Caravaggio de la misma obra, donde la consternación y el asombro de Santo Tomás son palpables en la piel de su frente arrugada. Pero la bata roja que usó Cristo en la pintura de López de Arteaga, sobresale del lienzo. Ambos artistas emplearon la cochinilla, cuya introducción ayudó a establecer el contraste dramático que caracterizó el estilo barroco.

López de Arteaga  FUENTE WIKIMEDIA 

Caravaggio  FUENTE

El retrato de Isabella Brandt (1610) de Rubens muestra la versatilidad de la pintura hecha con cochinilla. La pared de detrás de Isabella está representada en un rojo intenso y resplandeciente, del que emerge en un leve aura de luz. La Biblia en su mano también fue representada con exquisitos detalles de rojo cochinilla.

Rubens  FUENTE

Hasta mediados del siglo XIX la cochinilla no fue reemplazada por alternativas sintéticas como el colorante rojo. Aunque obras de Paul Gauguin, Auguste Renoir y Vincent van Gogh han sido analizadas y tienen tinte rojo de cochinilla.

The Bedroom  Van Gogh  FUENTE

Hoy en día el colorante rojo de la cochinilla se produce en masa como colorante industrial de alimentos.


Vía: BBC

La belleza de la muerte: Cementerio Père Lachaise

Père Lachaise es el cementerio más grande de París y una de las atracciones turísticas más populares de la ciudad, lo cual es sorprendente teniendo en cuenta todas las cosas que se puedeb hacer en la ciudad del amor. Los turistas acuden al cementerio Père Lachaise a visitar la tumba de Jim Morrison o tocar la entrepierna de la estatua de Victor Noir...

Estatua de Victor Noir  FUENTE

El fotógrafo Mathieu Stern ha creado un vídeo timelapse impresionante llamado "Lifelapse" para contar "la historia de la vida y la muerte por medio de las hermosas estatuas del cementerio más antiguo de la capital francesa."






Vía: Neatorama

Las modelos de los impresionistas del siglo XIX

En 1860 en París, las encantadoras modelos paseaban alrededor de la famosa fuente de la plaza Pigalle, con la esperanza de que algún artista las contratase por al menos un par de horas. En el invierno tal vez esperaban en una cafetería, con un café o una absenta.

Estas modelos no eran baratas para un artista pobre como Renoir o Monet. Una modelo podía cobrar cuatro o cinco francos por una sesión de tres horas, aunque eso costaba menos que un tubo de pintura de aceite. Las mujeres cobraban más que los modelos masculinos debido a que su belleza según los parámetros de la época duraba menos que la de los hombres.

Aline Charigot de Renoir  FUENTE

A veces, las modelos se enamoraban de los artistas y viceversa. Aline Charigot era costurera cuando conoció a Renoir, la encantadora Camille Doncieux modelo de Claude Monet era de buena familia y fue repudiada por ella cuando se fue a vivir con Monet sin un anillo de bodas de por medio.

Camille Doncieux por Monet  FUENTE

Edouard Manet tenía varios modelos. Pintó a su mujer desnuda. Luego pintó a su colega la pintora Berthe Morisot. Pero su modelo más famosa fue Victorine Meurent que posó como Olimpia desnuda acostada en un sofá. Esto enfureció tanto al público cuando fue mostrado por primera vez que los hombres intentaron atravesar con sus paraguas el cuadro.

Victorine Meurent por Manet   FUENTE

Pasaron los años y en 1885 se abrió una agencia de modelos en el Boulevard de Clichy y los artistas iban allí para escogerlos. Por aquel entonces las mujeres cobraban diez francos por hora.


Vía: Wonders and Marvels

La historia de uno de los cuadros más famosos del mundo

Si se cita "Sol ardiente de Junio" o a Frederic Lord Leighton, la mayoría de las personas no sabrán de lo que se está hablando. Señalando la imagen en su iPhone, de la pintura de la mujer durmiendo con vestido color azafrán y todo será distinto. Camisetas, tazas, relojes de pared, alfombrillas de ratón, tapas de móviles, rompecabezas, y adornos de Navidad, llevan esta imagen.

Sol Ardiente de Junio  FUENTE

En el año 2014, Bamber Gascoigne presentador de televisión, heredó West Horsley Place, una casa de campo en ruinas, de su anciana tía que fallecida a los 99 años. Su tía era Duquesa de Roxburghe. Muchas de las habitaciones habían estado cerradas durante décadas. Detrás de una puerta, encontró un dibujo a lápiz de la cabeza de una mujer: era el estudio inicial de "Sol Ardiente de Junio", que se había perdido durante 120 años.

Dibujo encontrado por Gascoigne  FUENTE

Frederic Lord Leighton completó su obra en 1895, durante los últimos meses de su vida. Él era entonces presidente de la Real Academia de las Artes, el guardián del buen gusto victoriano, y su obra era el punto culminante de un grupo de pinturas de, mujeres clásicas.

El dibujo Roxburghe, que se subastará en Sotheby's en julio, sugiere que la cara que aparece en él pertenece a Dorothy Dene, modelo y musa favorita de Leighton. Dene posó para numerosas pinturas del artista durante los últimos 15 años de vida del mismo. Aunque se han propuesto otros modelos para la obra , todo apunta a Dorothy Dene, que también aparecen en otra pinturas del autor Crenaia (1880) y Clytie (1895). Dene, estuvo en Nueva York  trabajando como actriz. A ella le sorprendió ver los escaparates con fotografías de su cara, y en la publicidad de productos para la venta.

Dorothy Dene  FUENTE

"Sol ardiente de Junio" se expuso en exposición en 1895 en  la Real Academia, pero Leighton estaba demasiado enfermo para asistir. Murió no mucho tiempo después. El arte clásico de Leighton, fue eclipsado por el impresionismo y sufrió una muerte lenta. La pintura fue expuesta en el Museo Ashmolean de Oxford hasta 1930, antes de entrar en una colección privada y desaparecer de la vista del gran público.

En 1962, se cree que se descubrió detrás de una pared falsa de una chimenea en las afueras de Londres. Un joven Andrew Lloyd Webber la vió a la venta en una tienda de antigüedades de Londres a un precio de 50 libras, pero su abuela se negó a prestarle el dinero. Al año siguiente, Luis Ferré, ex gobernador de Puerto Rico, compró la pintura por 2.000 libras, y la convirtió en la pieza central de un nuevo museo en la ciudad de Ponce. Hoy en día se le conoce como la " Mona Lisa del Hemisferio Sur. "

Vía: Vanity Fair

Giuseppe Arcimboldo: Ilusiones ópticas del siglo XVI

Delante de una pintura de Giuseppe Arcimboldo, te encontrarás mirando flora y fauna en configuraciones extrañas que dan como resultado figuras familiares. Los objetos terminan formando rostros humanos. Estas extrañas pinturas fueron creados en el siglo XVI, cuando Arcimboldo era un retratista de la corte de los Habsburgo.

Arcimboldo autorretrato  FUENTE

Inició su carrera a los 22 años, como diseñador de las vidrieras de la catedral milanesa, junto a su padre, Biaggio, que sería su primer maestro. Combinó sus trabajos con el estudio de los grabados de Leonardo da Vinci, especialmente los de vena caricaturesca, cuya huella se evidenciaría en su posterior producción. En 1562 se trasladó a Praga, donde estuvo sucesivamente al servicio de los emperadores Fernando I, Maximiliano II y Rodolfo II, convirtiéndose en uno de los pintores favoritos de la corte, en la que realizó varios decorados para el teatro imperial.

Rodolfo II aprendió a disfrutar de la técnica humorística de Arcimboldo. El artista estuvo bajo el patrocinio de la familia de los Habsburgo más de 30 años, perfeccionando sus "cabezas compuestas" en el transcurso de esos años. Si bien su obra se mantuvo en gran medida invisible durante siglos después de su muerte en 1593, la obra de Arcimboldo ha resurgido en los últimos años. Artistas contemporáneos han imitado sus técnicas. Por ejemplo Dalí en su obra de 1935 "Cara paranoíca"

Aquí os dejo algunas de sus obras, disfruten.

Agua   FUENTE

Fuego  FUENTE

Verano   FUENTE

FUENTE

Aire  FUENTE

Rodolfo II como Vertumno  FUENTE

Vía: Huffington Post

Otras Fuentes: Biografías y vidas

Celebridades dibujadas a lápiz

Es difícil de creer, pero todas estas imágenes no son fotos , sino dibujos a lápiz . En las siguientes ilustraciones podrás ver cómo los artistas utilizan sólo un lápiz para retratar a famosos creando estas obras maestras.

ELIZABETH TAYLOR

EMMA WATSON

SCARLETT JOHANSSON

KEIRA KNIGHTLEY

MARILYN MONROE

DEXTER

LIV TYLER

CHARLIZE THERON

STEVE CARELL

SEAN CONNERY

ROBERT DOWNEY

ANGELINE JOLIE

JOHN WAYNE

JOHNNY DEEP

JOAQUIN PHOENIX

PINKMAN

JACK NICHOLSON

HARRISON FORD

DR. HOUSE

HEATH LEDGER

HEISENBERG

BRUCE WILLIS

GUSTAVO FRINGS

BRAD PITT

ANNE HATHAWAY

HITCHCOCK

ELIJAH WOOD

Vía: Web Design Burn