El insecto que pintó de rojo Europa

Aunque el escarlata es el color del pecado en el Antiguo Testamento, la élite del mundo antiguo tenía sed de rojo, un símbolo de riqueza y estatus. Gastaban sumas fantásticas en busca de matices cada vez más vibrantes, hasta que Hernán Cortés y los conquistadores descubrieron un pigmento en los grandes mercados de Tenochtitlan. Se obtenía aplastando cochinillas. El misterioso tinte se convirtió en una de las principales exportaciones del Nuevo Mundo hacia Europa.

Cochinillas y su pigmento  FUENTE

En la Europa medieval, los gremios de tintoreros custodiaban sus secretos para fijar colores a la lana, la seda y el algodón. Usaban raíces y resinas para crear amarillos, verdes y azules. El caracol murex fue aplastado para crear una tela imperial de color púrpura que valía más que el oro. Pero el rojo permanecía esquivo.

El proceso para hacer el rojo por los tintoreros turcos, llevaba meses, e implicaba una mezcla pestilente de estiércol de vaca, aceite de oliva rancio y sangre de bueyes. Durante muchos años, fue el rojo más común en Europa, donde el proceso 'Turquía roja' usaba la raíz de la planta rubia y los elementos antes indicados. Los tintoreros europeos trataron desesperadamente de reproducir este rojo, pero no tuvieron éxito. Las élites usaban St John's Blood y el rojo armenio.

Los pueblos mesoamericanos en el sur de México habían comenzado a usar el chinche de la cochinilla mucho antes de la llegada de los conquistadores. Los indígenas de Puebla, Tlaxcala y Oaxaca tenían sistemas de cría para las chinches de las cochinillas, obteniendo los rasgos ideales y el pigmento se utilizaba para crear pinturas para códices y murales, teñir telas y plumas e incluso como medicina.

Cuando los conquistadores llegaron a Tenochtitlan, la capital del imperio azteca, el color rojo estaba en todas partes. Los pueblos periféricos pagaban a los gobernantes aztecas en kilos de cochinilla y rollos de tela roja. Carlos I de España, tras recibir los informes de Hernán Cortés vio en la cochinilla una oportunidad para apuntalar las arcas de la corona.

Hernán Cortés y Moctezuma  FUENTE

En 1523, el pigmento de la cochinilla llegó a España. Los españoles obligaron a los indios a producir todo lo que fuese posible. El tinte de la chinche de la cochinilla era diez veces más potente que el St John's Blood. Además producía 30 veces más colorante por gramo que el rojo armenio.

Cuando los tintoreros europeos comenzaron a experimentar con el pigmento, quedaron encantados con su potencial. Era el rojo más brillante y saturado que jamás habían visto. A mediados del siglo XVI ya se usaba en toda Europa, y en la década de 1570 se había convertido en uno de los comercios más rentables de Europa.

La obra sin fecha de López de Arteaga, "La incredulidad de Santo Tomás", palidece en comparación con la versión de Caravaggio de la misma obra, donde la consternación y el asombro de Santo Tomás son palpables en la piel de su frente arrugada. Pero la bata roja que usó Cristo en la pintura de López de Arteaga, sobresale del lienzo. Ambos artistas emplearon la cochinilla, cuya introducción ayudó a establecer el contraste dramático que caracterizó el estilo barroco.

López de Arteaga  FUENTE WIKIMEDIA 

Caravaggio  FUENTE

El retrato de Isabella Brandt (1610) de Rubens muestra la versatilidad de la pintura hecha con cochinilla. La pared de detrás de Isabella está representada en un rojo intenso y resplandeciente, del que emerge en un leve aura de luz. La Biblia en su mano también fue representada con exquisitos detalles de rojo cochinilla.

Rubens  FUENTE

Hasta mediados del siglo XIX la cochinilla no fue reemplazada por alternativas sintéticas como el colorante rojo. Aunque obras de Paul Gauguin, Auguste Renoir y Vincent van Gogh han sido analizadas y tienen tinte rojo de cochinilla.

The Bedroom  Van Gogh  FUENTE

Hoy en día el colorante rojo de la cochinilla se produce en masa como colorante industrial de alimentos.


Vía: BBC

La guardiana de la caja fuerte de Newcastle

El "aparador de la ciudad" era una caja fuerte, un cofre de madera que estaba en el Ayuntamiento de Newcastle. En ella los funcionarios de la Corporación guardaban el dinero de los impuestos que pagaba el pueblo. Tenía un agujero en la tapa para introducir el dinero, como las huchas de los niños.

Caja fuerte de Newcastle  FUENTE

El aparador de Newcastle tenía ocho cerraduras. El alcalde tenía una llave y siete funcionarios del Ayuntamiento las otras. La caja fuerte sólo podía ser abierta en presencia de todos los titulares de las llaves (o con su consentimiento explícito si no podían estar allí). Cuando estos funcionarios estaban ausentes, la caja estaba custodiada por Judy Dowlings.

A principios del siglo XIX Judith Dowlings era la guardiana de la caja fuerte de la ciudad y blandía un palo de buen grosor, que no tenía miedo en utilizar para mantener lejos a cualquier persona, incluyendo niños incautos que merodeasen el lugar. Un informe de prensa escrito en 1863 decía... 'a algunos hombros todavía le duele pensar en ella'.

En 1816 el pintor Henry Perlee Parker se estableció en Newcastle hasta 1841 pintó algunos de los personajes locales, incluyendo a Judy Dowlings.

Retrato de Judy Dowlings  FUENTE

Tanto el aparador de la ciudad como el retrato de Judy pintado por Henry Perlee Parker, fueron trasladados, cuando el aparador dejó de ser utilizado. Judy podía así mirar hacia abajo desde la pared y mantener un ojo vigilante sobre la caja que había guardado tan formidablemente durante tantos años. Su retrato está ahora en la Galería de Arte Laing en Newcastle.


Vía: Georgianera WordPress

Cinco pinturas con historia

A través de la pintura haré un breve recorrido sobre algunos hechos históricos que se representan en la misma. Creo que es una buena manera para repasar el arte y la historia. Espero que os guste.


IVÁN EL TERRIBLE Y SU HIJO

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Este cuadro es obra Iliá Repin. El motivo del cuadro está basado en un episodio de la vida del zar Iván el Terrible. Cierto día el zar se topó con su nuera, que estaba embarazada, y pareciéndole poco decente su aspecto el zar comenzó a golpearla. Oyendo los gritos acudió su marido e hijo del zar, también llamado Iván. Al intentar detener a su padre éste le asestó un golpe mortal en la sien con su báculo. El cuadro refleja el momento en el que el zar, horrorizado, comprende que ha matado a su hijo cegado por su ira.



¿ Y CUÁNDO VISTE POR ÚLTIMA VEZ A TU PADRE?

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Esta pintura es de William Frederich Yeames se basa en la Guerra Civil Inglesa (1642 - 1646). Muestra una casa monárquica ocupada por los parlamentarios, los dos frentes en litigio. El niño está siendo interrogado sobre el paradero de su padre.



CÓSACOS ZAPÓROGOS ESCRIBIENDO UNA CARTA AL SULTÁN MEHMED IV

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Es también obra como en el primer caso de esta entrada de Iliá Repin. Se rememora un hecho legendario de la historia ucraniana, cuando en 1676 los cosacos ucranianos de Zaporozhia enviaron una carta al Sultán Mehmed IV del Imperio Otomano, luego de derrotar al ejército imperial en batalla, y ante la insistencia del Sultán para que a pesar de esta derrota aceptaran su dominio. Los cosacos, liderados por Iván Sirkó, replicaron con una carta repleta de insultos y obscenidades.



LA RENDICIÓN DE BREDA

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Obra de uno de los genios de la pintura el sevillano Diego Velázquez. En ella se muestra la victoria de la Corona Española sobre las Provincias Unidas de los Paises Bajos en Breda. Tras el sitio de la ciudad Justino de Nassau se rinde y entrega las llaves a Ambrosio Spínola.



LA NAUMAQUIA

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La pintura es de Ulpiano Checa y en ella se plasma "la naumaquia", palabra que en época romana designaba el espectáculo en el que se representaba una batalla naval. La naumaquia representada en el cuadro es una naumaquia de anfiteatro que empezaron con Nerón, antes se hacían en exteriores. Las naumaquias tenían la particularidad de desarrollar temas históricos o pseudohistóricos. Cada una de las flotas que se enfrentaban encarnaba a un pueblo famoso. Eran espectáculos más sangrientos que la lucha de gladiadores. La primera naumaquia conocida fue la ofrecida por Julio César al pueblo de Roma en el 46 a. C


Fuentes texto: Wikipedia, Museo Ruso

Las modelos de los impresionistas del siglo XIX

En 1860 en París, las encantadoras modelos paseaban alrededor de la famosa fuente de la plaza Pigalle, con la esperanza de que algún artista las contratase por al menos un par de horas. En el invierno tal vez esperaban en una cafetería, con un café o una absenta.

Estas modelos no eran baratas para un artista pobre como Renoir o Monet. Una modelo podía cobrar cuatro o cinco francos por una sesión de tres horas, aunque eso costaba menos que un tubo de pintura de aceite. Las mujeres cobraban más que los modelos masculinos debido a que su belleza según los parámetros de la época duraba menos que la de los hombres.

Aline Charigot de Renoir  FUENTE

A veces, las modelos se enamoraban de los artistas y viceversa. Aline Charigot era costurera cuando conoció a Renoir, la encantadora Camille Doncieux modelo de Claude Monet era de buena familia y fue repudiada por ella cuando se fue a vivir con Monet sin un anillo de bodas de por medio.

Camille Doncieux por Monet  FUENTE

Edouard Manet tenía varios modelos. Pintó a su mujer desnuda. Luego pintó a su colega la pintora Berthe Morisot. Pero su modelo más famosa fue Victorine Meurent que posó como Olimpia desnuda acostada en un sofá. Esto enfureció tanto al público cuando fue mostrado por primera vez que los hombres intentaron atravesar con sus paraguas el cuadro.

Victorine Meurent por Manet   FUENTE

Pasaron los años y en 1885 se abrió una agencia de modelos en el Boulevard de Clichy y los artistas iban allí para escogerlos. Por aquel entonces las mujeres cobraban diez francos por hora.


Vía: Wonders and Marvels

El azul ultramar: El pigmento más caro que el oro

Miguel Ángel no podía permitirse el lujo de conseguir el azul ultramar. Su pintura "El Santo Entierro", se quedó sin terminar, al no poder conseguir el preciado pigmento. Rafael reservaba el azul ultramar para su capa final de pintura, prefiriendo para sus capas de base una azurita común. Vermeer sumió a su su familia en una deuda por ese pigmento. Es el azul superlativo, el azul a la que todos los demás azules aspiran.

Santo Entierro  MIGUEL ANGEL  FUENTE

Derivado de la piedra lapislázuli, el pigmento se considera más valioso que el oro. Durante siglos, la única fuente de "azul ultramar" era una franja árida montañosa en el norte de Afganistán. El proceso de extracción consistía en moler la piedra consiguiendo un polvo fino, con este polvo se llenaba unos depósitos con cera fundida, aceites, y resina de pino. Se terminaba amasando el producto en una solución de lejía diluida. Debido a sus costos prohibitivos, el color fue tradicionalmente restringido en la pintura a las vestiduras de las imágenes de Cristo o de la Virgen María. Pintores europeos dependían de mecenas ricos para financiar su compra. Otros artistas menos escrupulosos eran conocidos por cambiar el azul ultramarinos por añil y embolsarse la diferencia. Si eran descubiertos, la estafa dejaba su reputación arruinada.

Lapizlázuli  FUENTE

En 1824, la Societé d'Fomento ofreció una recompensa de seis mil francos a cualquiera que pudiera desarrollar una alternativa sintética al azul ultramar. Dos aspirantes al premio, Jean-Baptiste Guimet, un químico francés, y Christian Gmelin, un profesor alemán de la Universidad de Tübingen se presentaron. El premio fue ferozmente disputado.

Gmelin afirmó que había llegado a una solución un año antes, pero había esperado a publicar sus resultados. Guimet respondido declarando que él había concebido su fórmula dos años antes, pero-como-Gmelin había optado por no dar a conocer sus conclusiones. El comité le dió el premio a Guimet, para gran disgusto de la alta burguesía alemana, y el azul artificial se conocería como "azul ultramar francés."

FUENTE

El "ultramar francés", debido a su falta de inclusiones minerales, cuenta con un tono más rico que su predecesor. El mejor ultramarino natural, está plagado de minerales raros: calcita, pirita, augita, mica. Estos depósitos hacen que la luz se refracte y se transmite sutilmente de diferentes maneras. No hay dos trazos de pintura iguales.

Vía: The Paris Review

Artemisia Gentileschi: Una pintora del siglo XVII en un mundo de hombres

En los últimos 100 años, Artemisia Gentileschi se ha convertido en una de las artistas más reconocidas del siglo XVII. Sus pinturas inspiradas en Caravaggio, llenas de violencia dramática y el uso sorprendente de la sombra y la luz. Incluso su serie de pinturas sobre la decapitación de Judith a Holofernes son más cautivadoras que una serie similar de Caravaggio.

Autorretrato de Artemisia Gentileschi  FUENTE

Sin embargo, el público y la crítica sienten una cierta decepción por las pinturas realizadas en las últimas décadas de su carrera, cuando estaba en el apogeo de su fama. Estas pinturas son demasiado suaves en comparación con los primeros trabajos de Artemisia. Pero esto se debe a algo que posteriormente desvalaremos.

Artemisia era la hija del pintor toscano, Orazio Gentileschi. Su abuelo y su tío eran también pintores, y el círculo de su padre incluía a Caravaggio y a Agostino Tassi. En 1611, Tassi, muy conocido por su arquitectura ilusionista, tomó a Artemisia como discípula. Pero Tassi la violó, un crimen que es bien conocido porque Orazio lo demandó por "desfloración."

En 1612, después de estar casada con un amigo de la familia, Pierantonio Stiattesi, Artemisia fue a Florencia, donde creó algunas de sus obras más famosas, incluyendo los sangrientos "Judit y Holofernes" que durante años se ocultó por los Uffizi para no escandalizar al público. En Florencia, Artemisia tiene entre sus mecenas al Gran Duque Cosimo II de Médici, y entabla amistad con Galileo y Miguel Ángel Buonarroti el Joven. Convirtiéndose en la primera mujer en ser incluida en la Accademia del Disegno.

Judith decapitando a Holofernes  FUENTE

En su primera época las obras de Gentileschi están influenciadas por la violación y su lucha en un mundo de hombres. De ahí su extrema violencia y la ferocidad de las mismas. En 1620 viajó a Roma, donde continúo con su obra. Allí tiene gran éxito debido a que la sociedad del momento admiraba a Caravaggio, por encima de Miguel Ángel. Gentileschi es vista como la heredera del Caravaggismo.

Sus obras también son fascinantes porque son lo que esperamos de un estereotipo de hombre de ese período. Sus obras posteriores, en cambio dan paso a la mujer empoderada dejando al descubierto sus luchas en el lienzo, dando a la luz un estereotipo de lo que se llamaban pinturas "femeninas". El cambio de Artemisia en su estilo se debió a la importancia de los gustos españoles en el arte y su deseo de convertirse en un artista distinguible por propio derecho.

En aquel tiempo la corte española era el principal patrocinio para los españoles. Las pinturas posteriores de Artemisia, eran vistas como deseable por los pintores y los clientes españoles. Entre 1630 y 1650 Artemisia y su arte estuvieron en el apogeo en Nápoles (entonces parte de la corona de España). Un ejemplo de esto es la "Virgen con el Niño y un Rosario" de 1651. En ella aparece la intención de invocar la dulzura e ingenuidad devota de finales del siglo XVI, estas cualidades garantizaban su éxito en la Nápoles española.

Virgen con el Niño y un Rosario  FUENTE

Quizá no hay ninguna artista más emblemática en los cambios de gustos en la pintura que Artemisia Gentileschi.

Vía: The Daily Beast

Giuseppe Arcimboldo: Ilusiones ópticas del siglo XVI

Delante de una pintura de Giuseppe Arcimboldo, te encontrarás mirando flora y fauna en configuraciones extrañas que dan como resultado figuras familiares. Los objetos terminan formando rostros humanos. Estas extrañas pinturas fueron creados en el siglo XVI, cuando Arcimboldo era un retratista de la corte de los Habsburgo.

Arcimboldo autorretrato  FUENTE

Inició su carrera a los 22 años, como diseñador de las vidrieras de la catedral milanesa, junto a su padre, Biaggio, que sería su primer maestro. Combinó sus trabajos con el estudio de los grabados de Leonardo da Vinci, especialmente los de vena caricaturesca, cuya huella se evidenciaría en su posterior producción. En 1562 se trasladó a Praga, donde estuvo sucesivamente al servicio de los emperadores Fernando I, Maximiliano II y Rodolfo II, convirtiéndose en uno de los pintores favoritos de la corte, en la que realizó varios decorados para el teatro imperial.

Rodolfo II aprendió a disfrutar de la técnica humorística de Arcimboldo. El artista estuvo bajo el patrocinio de la familia de los Habsburgo más de 30 años, perfeccionando sus "cabezas compuestas" en el transcurso de esos años. Si bien su obra se mantuvo en gran medida invisible durante siglos después de su muerte en 1593, la obra de Arcimboldo ha resurgido en los últimos años. Artistas contemporáneos han imitado sus técnicas. Por ejemplo Dalí en su obra de 1935 "Cara paranoíca"

Aquí os dejo algunas de sus obras, disfruten.

Agua   FUENTE

Fuego  FUENTE

Verano   FUENTE

FUENTE

Aire  FUENTE

Rodolfo II como Vertumno  FUENTE

Vía: Huffington Post

Otras Fuentes: Biografías y vidas

¿Cómo una falsificación de Vermeer le salvó de una larga condena en la cárcel?

Han van Meegeren fue un pintor de principios del siglo XX que al parecer se sentía poco valorado. Había nacido en 1889, y estudió arquitectura en Delft, (Países Bajos), la misma ciudad donde Johannes Vermeer había nacido. Vermeer fue un pintor holandés del siglo XVII, cuyas pinturas tenían un gran valor en el mercado.

Han van Meegeren en primer plano  FUENTE

En la época de Van Meegeren, había una gran discusión sobre si Vermeer pintó obras de escenas bíblicas. Para probar su talento, Van Meegeren creó una falsificación de un cuadro bíblico, copiando cuidadosamente el estilo de Vermeer y usando varios trucos para hacer que la pintura pareciera cientos de años más vieja de lo que era. El cuadro se tituló "La cena de Emaús", y el trabajo fue declarado un auténtico Vermeer por los expertos. El Museo Boijmans Van Beuningen en Rotterdam, compró la pintura. Van Meegeren comenzó a pintar más falsificaciones vendiéndolos como Vermeers, a precios de Vermeer. Ganó el equivalente hoy en día a 60 millones de dólares por seis Vermeers falsificados.

Falsificación "La Cena de Emaús"  FUENTE

Por desgracia, Van Meegeren vendió uno de sus Vermeers falsos nada más y nada menos que al lugarteniente de Hitler Hermann Göring. En 1945, dos agentes detuvieron a Van Meegeren poco después de que los Países Bajos fuesen liberados. El artista fue arrestado por vender un tesoro nacional al enemigo. La única manera en que Van Meegeren podía salvarse de una larga condena era demostrar que era una falsifación.

Para evitar una larga condena, el artista pintó otro falsificación delante de las autoridades. El circo alrededor del juicio y el hecho de que Van Meegeren había estafado a un criminal nazi, hizo que finalmente se hiciese famoso. Convenció a las autoridades de que sus obras eran falsas, y fue condenado a un año de prisión por estafa, aunque nunca lo cumplió porque murió de un infarto el 30 de diciembre de 1947 poco antes de ser encarcelado.


Vía: Curiosity

Chevalier d'Eon un travestí del siglo XVIII

Chevalier d'Eon, (1728-1810), conocido generalmente como el caballero de Eón , era un diplomático francés , espía y soldado. Sus primeros 49 años los pasó como un hombre, y sus últimos 33, como una mujer. Después de su muerte, un consejo de los médicos descubrió que el cuerpo de d'Éon era anatómicamente masculino.

Chevalier

La pintura que está encima de este texto es del siglo XVIII, en él aparece una señora un poco varonil de mediana edad. Resulta que esta pintura, ha sido descubierta por Philip Mould en una sala de subastas de Nueva York. Una minuciosa investigación ha descubierto una rica y colorida historia. La investigación impulsada, tuvo un descubrimiento sorprendente, resulta que es un retrato del legendario espía, diplomático y travesti, Chevalier D'Eon que se había perdido en 1926.

La historia de D'Eon es una de las biografías más notables del siglo XVIII. El reciente redescubrimiento de este retrato al óleo tiene un gran significado histórico. Hasta el redescubrimiento de este retrato, no había ninguna imagen esclarecedora de D'Eon. En su origen el título de la pintura era, "Retrato de una mujer con una pluma en el sombrero".  La investigación realizada por Philip Mould ha demostrado d que el cuadro es de Thomas Stewart que se especializó en pintar actores y escenas teatrales en Londres en la década de 1790. En ese tiempo D'Eon estaba compitiendo en torneos de esgrima en los locales londinenses.

A D'Eon se le conoce como la "Patrona de travestis" y la palabra "eonismo", se deriva de su apellido. Los padres de D'Eon eran provincianos franceses de clase media. Sobresalió en la escuela y en 1756 fue reclutado por una red de espías llamada "Le Secret du Roi", que trabajaba para el rey Luis XV. El monarca envió D'Eon en una misión secreta a Rusia para espiar a la emperatriz Isabel e intrigar con la facción pro-francesa contra los Habsburgo. Se dice que D'Eon se disfrazó de mujer para hacerlo, e incluso se convirtió en dama de honor de la emperatriz.

En 1763, después de haber pasado una temporada heroica con los "Dragoon Guards", donde se distinguió como un gran esgrimista, D 'Eon fue enviado a Londres con el título de Embajador Especial de Francia. Su verdadera misión era espiar para el rey y recopilar información para una posible invasión. A pesar de que hay documentos privados que demuestran que él iba a comprar corsés femeninos, D'Eon lo mantenía oculto.

Después de un año, D'Eon fue sustituido como embajador por el conde de Guerchy. Furioso y humillado al ser reducido a su antiguo rango de secretario, D'Eon decidió desobedecer órdenes de regresar a Francia, afirmando que el nuevo embajador había tratado de asesinarlo. En un esfuerzo por salvar a su posición en Londres, D'Eon publicó la mayor parte de la correspondencia diplomática secreta. Pero D'Eon fue cuidadoso de mantener en secreto los documentos más sensibles. Con estos documentos, D'Eon tenía el rey en sus manos, y continuó trabajando como espía.

A partir de estos momentos, D'Eon comenzó a vestirse públicamente como una mujer. Era conocido por su gran inteligencia, pero también por su falta de encanto femenino. La sociedad del siglo XVIII resultó mucho más aceptable para él como mujer que como hombre. En 1774, después de la muerte de Luis XV, D'Eon trató de negociar un regreso del exilio. Se le permitió regresar a Francia pero fue desterrado a su ciudad natal de Tonnerre durante seis años.

D'Eon regresó a Inglaterra en 1785. Había perdido su pensión después de la Revolución Francesa y tuvo que vender una amplia biblioteca que había sido la pasión de su vida. Empobrecido, seguía siendo famoso, D'Eon actuaba en los escenarios de Londres y Dublín, donde actuaba como una esgrimista de renombre, hasta que fue herido de gravedad en 1796. En 1804 fue encarcelado por sus deudas, pero puesto en libertad un año después, gracias a que firmó un contrato para una autobiografía.

La "señora" D' Eon

El libro nunca fue publicado, porque D'Eon se quedo paralítico después de una caída. Sus últimos años los pasó con una viuda,la señora Cole. Los doctores que examinaron el cuerpo después de su muerte descubrieron sus atributos masculinos.

Vía: ArtDaily

Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873 - 1948) era el hijo de la artista estadounidense Daniel Ridgway. Nació en París y asistió a la Chigwell School en Inglaterra. Más tarde se hizo famoso en los EE.UU. Sus temas favoritos eran las casas y jardines en los pueblos Incluso el presidente Harding compró una pintura suya titulada "Afterglow", para ponerla en una pared de la Casa Blanca.

                                                Louis Aston Knight


Aquí os dejo algunas de sus obras.













 



 

Vía: Rudepalace

La familia de Carlos IV. Esos Borbones degenerados.

La familia de Carlos IV  Goya  FUENTE

Los descendientes de Luis XIV, los Borbones que reinan en España son unos degenerados. Basta con ver el Museo del Prado de Madrid el famoso cuadro de Goya que representa a la familia. Una galería de monstruos. La pintura es tan cruel que casi parece una caricatura. Sin embargo, los personajes se encontraron tan parecidos que felicitaron y honraron al artista.


En el centro del grupo el rey Carlos IV sonrié con una inexpresable estupidez. Es un hombrachón de sesenta años, de pesada corpulencia, de aspecto bonachón, de aire completamente alelado. Respiran la tontería más desesperante.


A su lado, la reina María Luisa, es una arpía, ajada, desdentada, de mirada apagada y maligna. Por encima de los perifollos y colorines exhibe una especie de cabeza de ave rapaz. Tiene, a la vez, algo de bruja y de lechuza.


El heredero del trono, Fernando, príncipe de Asturias, es un bobo, cuyo rostro, ininteligente y socarrón, refleja la imbecilidad y la bellaquería.

George Roux

Una crítica de éstas sería dificil en esta España cortesana.

Vía: Breve Historia de la Guerra de la Independencia Española

Joseph Mallord William Turner: El pintor de la luz

Pintor británico.Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo.

Turner está enterrado en la catedral de San Pablo, donde también está enterrado Lord Nelson. Aquí una muestra de su arte.